Cine for all

Entrevista a José Luis Alemán, director de La herencia Valdemar

2009-12-21T04:16:00.003-08:00

Datos como la película con más efectos de la historia del cine español, basada en Lovecraft, terror especial sin el gore de por medio...esto es en primeras líneas lo que se sabe de La herencia de Valdemar, pero en Precríticas queremos profundizar hablando de ella con su director, José Luis Alemán.

Precríticas: La Herencia Valdemar basada en los escritos de H.P. Lovecraft. ¿De qué manera se puede adaptar algo sin diálogos prácticamente como es el estilo característico del famoso escritor?

José Luis Alemán: Haciendo un guión desde cero, completamente libre y adaptando poco a poco la esencia del universo de H.P. LOVECRAFT, que efectivamente pese a ser riquísimo, es tan sumamente denso y complicado que te suele hacer recular en algún momento, por eso hemos tratado de hacer una narrativa muy fácil, incorporando trazos muy significativos de su obra pero de un modo que sea una película fácil de seguir para los no iniciados en el autor.

P: Un elenco de actores que quita el hipo. ¿Qué han encontrado en la película que les ha animado a formar parte de ella?

J.L.A: En principio un proyecto que se aleja absolutamente de lo que se hace en España , es cine fantástico..., que prácticamente para todos ellos era una novedad y después la belleza del director que les ha dejado deslumbrados. je je je je je

P: ¿La película entiendo que nos ofrece terror pero también fantasía, ese oscuro camino que es difícil de conjugar a veces?

J.L.A: No, es de hecho un camino de una misma paleta de color en el que tú decides cuanta oscuridad le quieres dar, se puede hacer verdaderas historias de terror de cuentos infantiles...Caperucita Roja, Hansel y Gretel, por ponerte ejemplos muy claros, en nuestro caso hemos tratado de hacer el terror más suave que se ha visto desde los años 50 con los mejores efectos que nos permitía el momento. es un film tremendamente clásico y gótico al mismo tiempo.

P: Se habla mucho de los efectos especiales del film. ¿Realmente es la película con más cantidad de efectos especiales de la historia de nuestro país?

J.L.A: Entre la 1º y la 2º parte sí puede ser la producción con mayores efectos de la historia del cine en España. en la 1º pasan más desapercibidos pero en la segunda esperamos que algún espectador se atragante con las palomitas con lo que va a ver.... ( es broma.)

P: Así de buenas a primeras es una apuesta arriesgada en el mundo de cine convulso en el que vivimos. ¿Cómo se formó el proyecto y siguió este camino hasta hacerse realidad?

J.L.A: El proyecto se formó hace 5 años , pasó de ser una película nada más a una trilogía basada en H. P. LOVECRAFT , cuando tuvimos las bases claras pudimos convencer a varios inversores para hacer un cine independiente de calidad y de ahí hasta hoy.

P: ¿Quién es José Luis Alemán, el director valiente que se atreve con este reto en su ópera prima?

J.L.A: Un loco que cree en el romanticismo del trabajo bien hecho, que propuso una idea diferente y tuvo la suerte de ser secundado por unos de los mejores actores y actrices que hay en este país , que pudo ver como efectos especiales que no se habrían atrevido a hacer en Hollywood con nuestro presupuesto, se han adelantado a todo lo que venga después... un loco en fin

P: ¿Era necesaria una película así en el género de terror sobre todo en este país ahora mismo?

J.L.A: Independientemente el género de la película, lo que era necesaria la idea de producción privada e independiente, hacer esta película supondrá el experimento más cercano y real a un cine sin subvenciones que se ha hecho en este país, y aunque nos salga mal, ojala pueda servir de base para quienes vengan detrás con las mismas pretensiones y puedan aprender de nuestros errores.

P: ¿Podemos recomendarla a todos los públicos? ¿Se trata de un film que puede herir las sensibilidades de sobre todo los más jóvenes o no hay problema en este sentido?

J.L.A: No creo que pueda calificarse para todos los públicos, pero sí para gente joven a partir de 13 años, me gustaría que fuera en cualquier caso, recomendable para todas aquellas personas que odian el terror , bien por ser desagradable, por dar excesivo miedo, por resultar muy duro de ver, nuestra película en este sentido es tan clásica que es fácilmente digerida por todo este sector que además se encontrará con una hermosa historia de amor en el siglo XIX. Las sensibilidades quedarán intactas.

P: No podemos dejar de mencionar la reciente muerte de Paul Naschy, actor de la película y leyenda del terror en España. ¿Supongo que el recuerdo de sus días de rodaje son el mejor apoyo en estos momentos tan duros para todo el equipo?

J.L.A: Paul era un genio incomprendido, un mito que abarrotaba las salas de conferencias con gente joven que ardía en hacerle preguntas y conocer sus anécdotas, no llega a entenderse cómo no hemos aprovechado más esta figura, fue un honor trabajar con el, aprendías muchísimo y era amabilísimo y cordial con todo el equipo.

P: Y por último ¿existen ya pequeñas líneas de algún proyecto en ciernes?

J.L.A: Una vez que acabemos el montaje y post-producción de HV2 , veremos que nos depara la suerte ..., me llama mucho la atención la ciencia ficción. a lo mejor una historia en el espacio...., es pronto para decir nada.

Entrevista a Sigfrid Monleón, director de El cónsul de Sodom

2009-12-21T04:16:00.001-08:00

P: ¿Habrá sido complicado enseñar ese alma cansada de poesía y a la vez el espíritu de pasión y sexo del personaje? ¿Cómo se consigue centrarse en el todo y no en los puntos más morbosos de alguien como Gil de Biedma?

S.M: Vuelvo a repetir: todo está en su poesía, también el centaurismo del “personaje”. Al final de su juventud Jaime Gil de Biedma perdió la fe en la poesía como actividad que le ayuda a uno mismo a construirse y a llegar a ser. Tras asumir la identidad que se había creado, llegó a la conclusión de que no hay espejismo más engañoso que el de la propia identidad, y entonces abandonó la poesía: ya no le servía para levantar una suerte de andamio contra sus propias debilidades interiores. Que todo el espectro del “personaje” se reúna en la película se debe quizá a que ésta adopta la forma de un musical, donde, en lugar de canciones y baile para expresar los sentimientos, los estados de ánimo o para hacer que avance la acción, lo que surge son los poemas de Jaime Gil de Biedma. Es el poder de su poesía, que lo abarca todo.

P: Miguel Dalmau, su guionista, ¿ha sido una pieza clave?

S.M: Miguel Dalmau, el biógrafo de Jaime Gil de Biedma, colaboró con los autores del guión Joaquín Górriz y Miguel Ángel Fernández. Cuando yo entré a reescribir el guión, tanto Dalmau como Górriz estuvieron a mi lado para todo tipo de consultas y consejos. Dalmau es clave porque ha escrito una voluminosa biografía del poeta, sostenida sobre un gran trabajo de campo. Pero es una biografía, repito, no una ficción. Yo reivindico la película como ficción: mi Jaime Gil de Biedma está visto desde la propensión al mito tan cara al poeta: como Marlene Dietrich en una película de Sternberg.

P: Apta para mayores de 13 años y se arma cierto revuelo por ello. ¿Este país aún se escandaliza cuando no debe? ¿Tiene miedo a una mala lectura de la película?

P: Bimba Bosé. ¿una apuesta arriesgada o sin duda?

S.M: Bimba tiene una gran personalidad, y es cálida “alla italiana”, sin ninguna afectación. Es imposible que caiga en el cliché, porque es muy inteligente y no intenta demostrar nada: no interpreta, actúa. Nunca va a abaratar un sentimiento, una emoción o una situación, porque es auténtica siempre. Además, aunque ésta sea su primera película, se ha criado entre artistas, conoce lo que es un escenario y las cámaras desde pequeña, luego como modelo y cantante. Estaba sobradamente preparada, y era la Bel perfecta.

P: A la hora de la verdad la respuesta del público comercialmente es importante, ¿un director que hace una apuesta tan importante en un film tiene miedo a eso?

S.M: Uno es su primer espectador: hace la película que le gustaría ver. Por tanto, primero hay que ser honesto con uno mismo. Pero nunca somos sólo uno. A propósito de la teoría trinitaria, Jaime Gil de Biedma solía decir que tres personas solamente para un único Dios le parecía de una escasez y de una pobreza increíbles, que no conocía a nadie normal que fuera tan pocas personas, y que él, por supuesto, era muchas más de lo normal. A todas ellas he querido tener en cuenta. Espero, por tanto, que muchos espectadores puedan sentirse identifcados en película.

P: ¿En qué se encuentra más cómodo Sigfrid Monleón, en el documental o en el film? ¿Habrá un vencedor en esa batalla algún día?

P: Por último. ¿denos la clave para ir a ver El cónsul de Sodoma? ¿Qué es lo que vamos a sentir al verla?

S.M: Van a encontrarse con un personaje impactante y carismático, que arroja una luz original sobre nuestro pasado más reciente y que alumbra con su poesía los fugaces instantes de felicidad y afirmación a los que nos aferramos para darle sentido a nuestra existencia.

Crítica de la película Celda 211

2009-12-21T04:15:00.006-08:00

Coincido con la crítica de Rómulo por completo. Así que por no repetirme mucho, repasemos rápidamente estos puntos que ya comenta. El motor que mueve la historia es inadmisible y se apoya en tremendas casualidades oportunas y en movimientos poco creíbles (la entrada en la celda, la mujer en la manifestación, Resines en la tele...). Los flashbacks están de sobra, no aportan nada, frenan el ritmo y rompen la estructura. Algunos actores secundarios no dan del todo la talla, aunque no están mal y el protagonista a veces lo da todo y otras se queda un poco más a medias. Por el contrario, Luis Tosar está tremendo, imponente, espero un Goya para él. Otros presos son realmente realistas. La película consigue varios momentos de muy buen suspense (me gusta especialmente la escena en la que el protagonista se despoja de todo lo que le delata), y juega con la violencia de un modo poco habitual en nuestro cine.

Pero la película tiene aún más aciertos. Aunque bebe claramente del cine americano y recrea un género de puro cine de Hollywood, no comete el error - en el que cayeron antes muchas otras películas españolas - de olvidarse de dónde está ambientada. Esto es España, y la mayoría de los presos son unos yonkis desgraciados medio analfabetos, algunas galerías están en obras, la máxima seguridad no es más que un pasillo circular... etc. Aunque usa los recursos narrativos del cine americano, los personajes y el ambiente son claramente reconocibles como españoles, lo cual evita que la película fracase en credibilidad.

Además utiliza los personajes de los etarras en lo que supone una doble cuestión positiva. Por un lado, son bastante creíbles, cosa que aunque parezca mentira no se suele conseguir demasiado bien. Hablan como tienen que hablar, tienen un aspecto creíble, forman su propio pequeño gueto, y parecen vascos. Esto añade credibilidad a lo que comentaba hace un momento. Pero es que por otro lado, genera una interesante política ficción que nos muestra una situación hipotética para reflexionar sobre diferentes cuestiones como la dispersión de presos, el poder actual de la banda y la poca importancia que tienen los presos "normales". Además, se llega a un momento interesantísimo cuando los etarras preguntan a Malamadre si piensa matarlos en caso de no conseguir sus objetivos. Malmadre responde "¿Qué haríais vosotros?".

La factura técnica no sólo tiene una calidad de nivel internacional, sino que tiene un valor añadido de riesgo con la elección del digital. En mi opinión es un inmenso acierto, consiguiendo unas escenas de caos hiperrealistas, y un dinamismo poco habitual en nuestro cine, como si un reportero de televisión estuviera atrapado entre el gentío. La imagen en general resulta dura y real. Excelente y adecuada.

A pesar de algunos problemas en el guión, ya comentados, y heredados posiblemente de una versión literaria demasiado novelesca, el conjunto de esta película es muy positivo, convirtiéndose en una de las mejores (seguramente la mejor) películas españolas del año, que además supone un considerable éxito de taquilla. Esta es la mejor manera de hacer industria, buscando contenidos que interesen al gran público pero sin olvidar la calidad, que finalmente también es recompensada. Esto afianza el futuro del cine español de un modo esperanzador, no como lo hace Spanish movie o Fuga de cerebros, también éxitos de taquilla, y posiblemente males necesarios.

Nueve y medio

2009-12-21T04:15:00.005-08:00

Ocho y medio es una película clave, importantísima. Extenderme sobre ella es estúpido. Quién más quién menos, entre la gran mayoría de nuestros lectores, saben de qué hablo. Y quiénes no poco más podrán aprender con unas cuántas líneas de regalo, así que me lo ahorro. Fellini en sumo grado autobiográfico, surreal y experimental al tiempo. Genial.

De ese material, más recientemente, surgió Nine, musical puro y duro de Broadway que popularizó Antonio Banderas y que le valió varios premios. Ya con Rob Marshall decidido a convertirlo en película, Banderas obtuvo la promesa del realizador de que sería el protagonista de la adaptación. Promesa rota.

Ahora tenemos a Daniel Day-Lewis sustituyendo a Banderas y, a su vez, retomando el Guido que interpretó, en otro estilo, Marcello Mastroianni. O sea, a Fellini, en última instancia. A su alrededor, el harén de Guido, que esta vez cuenta con ladies como Penélope Cruz, Marion Cotillard, Nicole Kidman o Sofia Loren.

Lo que puede aportar Rob Marshall no supone demasiado misterio, ya que él fue el responsable de Chicago. Así que por ahí van los tiros. ¿La ventaja? Pues, más bien, la esperanza, concretamente de que el material original de Fellini sirva para aportar algo de chicha, aunque de él no vaya a quedar seguramente todo el jugo.

Pero puede que más que suficiente para jugar a la doble lectura (olvídemonos del resto), y ante todo quedará escenario de sobra para que Marshall haga lo que mejor sabe hacer, que es vestir y adornar espectaculares coreografías y dirigirlas con el respeto suficiente como para poder disfrutarlas sin molinrougeanos mareantes ultramontajes.

Por último, espero mucho de Penélope Cruz en Nine. Espero que esté simplemente perfecta en un papel que le viene que ni pintado. Creo que será la fémina que mejor funcione en el lucidísimo elenco de la película. Espero menos de Nicole Kidman, cada día más apagada.

Yo no me la pierdo.

Valor técnico; ecologismo de Parvulitos

2009-12-21T04:15:00.003-08:00

El análisis frío de Avatar dirige a dos conclusiones por separado. Por un lado la meramente narrativa: Avatar es un rollete proecologista para niños de jardín de infancia que, para colmo, llevamos tragándonoslo desde tiempos de Bailando con lobos. Nada nuevo bajo el sol y sí miles de tópicos, horribles líneas de diálogo y un desarrollo narrativo desastrosamente previsible. Aderezado todo con una batalla final tremebunda.

La parte técnica es lo que define a Avatar, sin embargo. Está claro que lo que todos sí esperábamos es que Cameron nos sorprendiera con un paso adelante en las posibilidades del cine digital proyectado en 3D. Estrictamente se puede decir que, efectivamente, así ha sido. Aunque también en este campo salgo de la sala con ciertas quejas.

Mientras que en Terminator 2 el paso adelante en FX que aportó Cameron supuso no sólo una puerta a nuevas tecnologías, sino un auténtico shock de por sí, por lo que en pantalla se veía ya en la propia T2, aquí en Avatar tengo la sensación de que Cameron ha abierto una puerta, pero no ha conseguido derribarla él mismo en su propia película. Esta vez, ha dado un paso que sí podrá ser mejorado y superado, perfeccionado, mejor empleado.

Se me ocurren varios "peros" a las elecciones de Cameron: Decide unir su idea de cine en 3D con escenarios, personajes y acción íntegramente desarrollados por ordenador; es decir, casi "dibujos animados en 3D". El resultado es sobebio y a menudo hermoso. Y la mejor noticia posible: Uno se olvida enseguida de estar viendo, eso: personajes creados por ordenador. Pero no menos cierto es que los buscadísimos encuadres y efectos para potenciar el 3D funcionan de manera más sorprendente en los pocos momentos en que esto sucede con escenarios y actores reales: en la base militar, por ejemplo.

Así que uno se queda con ganas de saber qué hubiera pasado si, por ejemplo, Cameron hubiera decidido trabajar toda esa tecnología 3D en plena batalla en la Segunda Guerra Mundial. O imaginaos el universo Terminator de esta manera. A lo que iba, tengo la sensación de que no ha acertado a tirar la puerta de una buena patada.

Esto no quita que Avatar sea un espectáculo inmenso visualmente: colores, encuadres, trucos, personajes... todo se aúna para dejar con la boca abierta al espectador en más de una, diez, veinte o treinta ocasiones. No sólo por lo que la técnica ha permitido hacer esta vez, sino por aciertos como el plano de uno de los animales del bosque con el lomo en llamas, huyendo entre bramidos, a cámara lenta.

Por detrás (y tan por detrás) una historia estúpida, manida y conocida, ecologismo para menores de cinco años. El último Na'bui o Bailando con pterodáctilos, como prefiráis. Todo aderezado con militares fachoides, ejecutivos sin escrúpulos y biólogas incansables. El típico rollo malvada Corporación multinacional aniquilando el Amazonas.

Como decirlo... James Cameron ha dado con la nueva generación de iBooks, pero sus cuentos son de Edición Blanca del Barco de Vapor.

PD: Un apunte personal. Me molesta que en el cine en 3D sigan jugando con la profundidad de campo; me explico: el clásico plano en que vemos en foco a un personaje y otro fuera de foco (en ocasiones en el mismo plano juegan con ésto para luego desenfocar a quien estaba en foco y pasar a mostrarnos de manera más nítida el otro elemento). Bien, esto, que da mucho juego en el cine digamos "convencional", en 3D me parece un error. Debería ofrecérsenos el campo de visión íntegro y ser nosotros quienes elijamos qué mirar, ya que se nos ofrece o pretende ofrecer una sensación de profundidad y espacio natural y real. Sin embargo, ocurre a menudo en Avatar (como en títulos anteriores) que uno elige mirar a un personaje que, por mucho que yo lo intente, sigo viendo fuera de foco. Sensación extraña. Un error a corregir.

Resacón en las Vegas (The Hangover) – Crítica

2009-12-21T04:15:00.001-08:00

La comedia norteamericana está viviendo una nueva edad de oro -siempre comercialmente hablando- gracias a nombres como Judd Apatow y Todd Phillips. Casi todos los títulos de esta nueva hornada se han centrado en los manidos temas adolescentes. The Hangover se aleja de la comedia púber de Apatow y compañía yendo una generación más allá y jugando con esa frontera entre la postadolescencia y la “madurez”, complejo tema que tan bien tratara la magistral “Beautiful Girls”

“Resacón en las Vegas” respira gracias a un inspirado trío protagonista de insual química (Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis), así como a unos divertidos personajes secundarios. El sovente elenco actoral junto con la acertada decisión creativa de no mostrar nunca la “juerga” sino sólo su “aftermath” son las bazas con las que juega “The Hangover”. Por desgracia, los cineastas no han sabido desarrollar este interesante concepto:muchos de los gags no funcionan, son poco inspirados o sencillamente están mal construídos. Graves problemas de ritmo y un guión famélico terminan por malograr la premisa. Algunos momentos brillantes no compensan la frialdad de la dirección deTodd Phillips, autor también de la muy superior “Old School” (Aquellas juergas universitarias). Tan sólo al final obtendremos las carcajadas mas sinceras, gracias a unos títulos de crédito más divertidos que la propia película.

Lamentablemente, como en tantas y tantas producciones USA de la última década, bajo la aparente provocación e irreverencia se esconde la moralina y el “establishment”. Nos podemos salir de madre pero después hay que volver siempre al redil.

A pesar de que la comedia ochentera sigue siendo la fuente de inspiración de esta nueva hornada, lejos estamos ya de títulos auténticamente demoledores como “Animal House”.

Lo mejor: Las fotos de los títulos de crédito finales

Lo peor: El soterrado conservadurismo que encierra.

2012 – Crítica

2009-12-21T04:14:00.004-08:00

Intérpretes: John Cusack (Jackson Curtis), Chiwetel Ejiofor (Adrian Helmsley), Amanda Peet (Kate Curtis), Oliver Platt (Carl Anheuser), Thandie Newton (Laura Wilson), Danny Glover (presidente Thomas Wilson), Woody Harrelson (Charlie Frost), Morgan Lily (Lilly Curtis), George Segal (Tony), Tom McCarthy (Gordon).

2012 es un claro ejemplo de blockbuster palomitero descerebrado pero potencialmente disfrutable. Roland Emmerich, director ya veterano en el subgénero catastrófico vuelve a seguir su plantilla/tipo de siempre con la intención de llegar a la audiencia más amplia posible. Así, mediante la introducción de diversos personajes arquetípicos apela a todos los estratos demográficos imaginables, de la misma manera que recae en los peores clichés y esquemas más manidos del peor cine norteamericano.

De nuevo, cineasta alemán nos endosa la misma película que ya hiciera en “Independence Day“ o “El día del Mañana“, y con una simple permutación encontramos de nuevo al presidente-héroe, el borracho / loco visionario -el Randy Quaid en Independence Day es ahoraWoody Harrelson- , el padre divorciado alejado del hijo – el Dennis Quaid de el día del mañana se transforma en John Cusack- y hasta el perro que se salva en el último momento.

Lo que Emmerich ni su co-guionista y compositor Harald Kloser parecen no asimilar es que los personajes bien escritos son los pilares de una buena película. No es necesario un retrato psicoanalítico, pero los actores -un reparto estelar como mandan los cánones del cine catastrófico- no resultan creíbles con tan pueriles líneas de diálogo en sus bocas mientras escapan de la muerte.

Unos efectos especiales de primer orden no logran salvar una megalómana película que adolece de cualquier atisbo de inspiración. Pedir inteligencia sería demasiado para un producto de estas características, pero poco importa. Al fin y al cabo es una máquina de hacer dinero muy bien engrasada.

Lo mejor: Los espectaculares efectos especiales

Lo peor: Todo lo demás.

Los Sustitutos (Surrogates)

2009-12-21T04:14:00.003-08:00

En una época donde la gente hace más vida social en la web 2.0 que en el mundo real, la futurista historia que propone Surrogates es inquietante por cercana.

El mundo de Surrogates es una suerte de “Second Life” extremo donde los sustitutos son una especie de avatares robóticos que harían las delicias de James Cameron y Phillip K. Dick.

Mucho más cercana al universo de “Matrix” o a “Congreso de Futurología” de Lem, que al de “Yo Robot“, Surrogates triunfa al sumarse a ese genial subgénero de la ciencia ficción setentera y alarmista, pero posicionándose finalmente con una visión humanista más esperanzadora que aquella corriente.

El director Jonathan Mostow no es capaz de explorar las infinitas posiblidades de la premisa, pero a cambio dota a la cinta de una capacidad de síntesis abrumadora.

Un icónico Bruce Wllis, cuyo carisma no deja de crecer con cada película, lleva sobre sus espaldas una película que no deja de ser una historia detectivesca clásica, sin aspaviestos y con sólo las dosis justas de acción.

Una película que a a años vista se convertirá en un pequeño clásico.

Lo Mejor: Su contención, su mensaje y por supuesto, Bruce Willis.

Lo Peor: La poco inspirada dirección de Mostow.

Calificación: 3.5 / 5

Avatar – Crítica

2009-12-21T04:14:00.001-08:00

A lo largo de los años, James Cameron ha ido incrementando exponencialmente su interés por las nuevas tecnologías y su aplicación a la narrativa cinematográfica, consiguiendo en el proceso gigantescos avances en el campo de los efectos especiales y la infografía.

Avatar es el proyecto, no exentos de tintes megalomaníacos, de toda una vida. El objetivo de Cameron es la inmersión total en un mundo entero recreado digitalmente y unos personajes CGI que sean capaces de transmitir emociones tal y como lo harían los actores reales. En este punto la película triunfa por completo, pero los riesgos de Cameron se acaban en el plano técnico y apuesta por lo seguro en lo narrativo. Avatar no deja de ser una revisitación de la historia de Pocahontas, vista también en otros títulos como “Bailando con lobos” o “El último Samurai”. La previsibilidad de la historia y lo maniqueo de lospersonajes reducen las posibilidades de disfute a un nivel meramente sensorial, lo que no es poco.

Más de la mitad de la película es 100% animación, y a este nivel Avatar funciona a la perfección. Sin embargo, no termina de ser convincente la interacción de humanos con los indígenas digitales, ya que mejores logros en este aspecto hemos visto en las sagas de “El Señor de los Anillos” y “Star Wars”. De igual forma, chocan las transiciones del mundo “real” al digital.

Desde cualquier perspectiva, Avatar no deja de ser una espectacular experiencia cinematográfica que necesita de una pantalla grande y 3D para ser disfrutada en todo su esplendor. Como película a secas ,Avatar dista mucho de ser la obra maestra que pretende ser. Como película de animación, no cabe duda, marca un hito.

Lo mejor: La apabullante recreación visual con efectos 3D nunca vistos hasta ahora.

Lo peor: La historia y los personajes no están a la altura del despliegue técnico.

“Avatar” recauda alrededor de 230 millones de dólares en todo el mundo

2009-12-21T04:13:00.004-08:00

Como curiosidad, mencionar que el 57% de las personas que vieron el filme eran varones, y el 62% tenía más de 25 años. En cuanto al mercado internacional, habría que sumar otros 159 millones de dólares, encontrándonos con que ha sido número uno en los 106 países en los que se ha estrenado. Cabe destacar las recaudaciones de Rusia (21 millones), Francia (19 millones), Reino Unido (14 millones), Alemania (13 millones), Australia (11 millones), España (11 millones) y Corea del Sur (10 millones). Los responsables de 20th Century Fox confían en que los ingresos no decaigan demasiado en las próximas semanas, sobre todo gracias a las críticas favorables que ha obtenido la película y a las posibles recomendaciones que hagan los propios espectadores a otras personas.

Crítica de Lluvia de albóndigas

2009-12-21T04:13:00.003-08:00

Esta película, sin reflexión, es una más de dibujos. Unas animaciones con los ojos grandes, con aspecto de 3D, un guión de los de siempre, etc. Pero me ha parecido brutal del todo. Creo que es una patada en el cielo de la boca a la sociedad en la que vivimos. Esa máquina que "esconde" la comida que nos sobra debería hacernos remover de la butaca, en lo que miramos los nachos a medio comer, con bien de queso por encima. Esas lluvias de comida, que sólo se pueden dar en el hemisferio norte, donde tenemos privilegios sin saber bien por qué. Esa avaricia, que como pasa en las películas, no en la realidad, rompe el saco. Ese mensaje bastante evidente, que un apio puede salvarte la vida, y que comas algo sano. Sólo por esos mensajes, me parece un peliculón.

La película trata sobre un chaval, de sorprendente parecido con uno que sale en la tele, que quiere ser un inventor de la talla de Tesla, entre otros. Todos se ríen de él, pero un buen día logra conseguir una máquina que, a partir de agua, hace la comida que quieras. El problema es que dicha máquina se le escapa, y ahora cuando llueve, cae comida.

Amén de lo dicho al comienzo, esta película estoy seguro que puede gustar a los padres que no sientan remordimientos, o que no desconecten en la primera parte. La cantidad de guiños hacia otros géneros es brutal, con su partecica de Matrix, de Indiana Jones, Star Wars, Tormenta Perfecta y otros cuantos que no quiero desvelar. La historia no es gran cosa, pero no se hace aburrida, a pesar que sabes que no moriremos bajo toneladas de comida. Desde luego, el guión es inteligente, y el mensaje que debería quedar, demoledor.

Resumiendo, película sobre un inventor de una máquina que hace llover albóndigas. Ser uno mismo, esconder nuestras miserias, avaricia, desenfreno, lujuría, todo ello envuelto en una fina de capa de chocolate para los niños. Imprescindible.

Crítica de Avatar

2009-12-21T04:13:00.001-08:00

No vamos a lamentarnos por la cantidad de años que Cameron se ha mantenido alejado de las salas comerciales. Preferimos regocijarnos por el hecho de que haya regresado al redil sin defraudar. Cameron, que siempre se apunta al carro de la modernidad, esperó 10 años porque la tecnología aún no había evolucionado lo suficiente como para poder satisfacer sus deseos cinematográficos. Ahora, tras esa larga gestación, por fin podemos disfrutar de Avatar, la epopeya galáctica en 3D que supone una revolución en el cine tal y como lo conocemos. Damos fe.

Jake Sully es un ex-marine en silla de ruedas que, a pesar de su cuerpo tullido, todavía es un guerrero de corazón. Jake ha sido reclutado para viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra. Al ser tóxica la atmósfera de Pandora, ellos han creado el programa Avatar, en el cual los humanos "conductores" tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Estos cuerpos están creados genéticamente de ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na'vi. Ya en su forma avatar, Jake puede caminar otra vez. Ha recibido la misión de infiltrarse entre los Na'vi, los cuales se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero una bella Na'vi, Neytiri, salva la vida de Jake, y todo cambia.

Vale, sabemos que esta historia no es nueva. Pero tampoco lo era la de Titanic y arrasó en todo el mundo. Más allá de tópicos típicos, la historia funciona como un tiro, tiene un ritmo trepidante y no da ni un solo respiro al espectador. Los personajes, algunos más que otros, crean empatía y desde luego te llevan con ellos en su aventura durante las dos horas y cuarenta minutos del metraje, algo más de lo que consiguen algunas otras cintas de acción y aventura. Desde luego labor de los actores, por supuesto, pero también gran mérito de Cameron, que demuestra en su regreso que sigue en plena forma y cada vez más ambicioso técnicamente.

Aunque la verdadera revolución viene de la mano de la técnica del 3D y los efectos especiales y visuales. Tal es la magnitud del salto cualitativo, que se podría comparar a presenciar una proyección de El Cantor de Jazz, de la primera película en color, o incluso de la primera película en formato panorámico. Por mucha palabrería que use, no sería capaz de explicaros lo que supone poder distinguir decenas de profundidades diferentes en un solo plano dependiendo del objeto, o, lo que es lo mismo, un 3D de verdad, una tercera dimensión en la que cada elemento presente en el plano tiene su propia profundidad. Una verdadera 'ventana' a otra realidad.

Una tecnología que deja muy atrás a otras película que pretenden utilizar el 3D de forma hiperrealista, como Robert Zemechis en sus tres últimos filmes, que, a pesar de correr con su mérito, no pueden alcanzar este nivel de perfección, y que tardará en volver a verse, dado lo laborioso del proceso. En cualquier caso, Avatar está en la calle para marcar un antes y un después en la historia del cine y, desde luego, como acontecimiento o como hito tecnológico, lo ha conseguido.

Fallece la joven actriz Brittany Murphy

2009-12-21T04:12:00.001-08:00

Hace menos de dos semanas os informábamos de que Brittany Murphy (1977-2009) había sido sustituida por Rachelle Lefevre en el reparto de “The caller”, thriller que actualmente se encuentra en rodaje. Por desgracia, en esta ocasión nos tenemos que volver a referir a ella para hablar de su inesperado fallecimiento a causa de un paro cardíaco. La protagonista de “Recién casados” (2003) inició su carrera en el mundo de la interpretación a una edad muy temprana, de tal forma que a comienzos de la década de los 90 ya consiguió un buen número de breves papeles en la pequeña pantalla (por aquellos años incluso destacaba como cantante en un grupo de música).

Crítica de Donde viven los monstruos

2009-12-21T04:11:00.001-08:00

Los niños, unos más que otros, son realmente adorables. Lo que la gente no suele recordar es lo duro que es ser un niño. Más allá de ese halo de inocencia, bondad y diversión se esconde un mundo bastante complejo de incomprensión, reflexión y pérdida de la inocencia que no solemos recordar porque nos quedamos con los recuerdos agradables y solemos centrarnos en lo superficial de la infancia. Spike Jonze, partiendo de la base del celebérrimo libro de Maurice Sendak, ha querido reflexionar sobre este asunto, y ha resultado una de las más bellas películas para adultos sobre la infancia que se recuerdan en el cine.

Max es un niño travieso y sensible que se siente incomprendido en casa y se escapa a donde viven los Monstruos. Max desembarca en una isla donde se encuentra con misteriosas y extrañas criaturas, cuyas emociones son tan delirantes e impredecibles como su modo de actuar. Los monstruos buscan desesperadamente un líder que les guíe, igual que Max desea un reino que gobernar. Cuando Max es coronado rey, promete crear un lugar donde todo el mundo sea feliz. Sin embargo, Max pronto se da cuenta de que gobernar su reino no es una tarea tan fácil y que sus relaciones allí resultan ser más complicadas de lo que pensó al principio.

Desarrollada en un entorno ideal de perfecta luz y fotografía, repleta tanto de fantasía como de cruda realidad, la película nos pasea de una manera tan adorable como macabra por los, nunca mejor dicho, monstruos que un niño suele padecer a lo largo de su infancia tardía, en ese momento en el que sigues siendo un niño, pero comienzas a darte cuenta de que no todo es de color de rosa.

El guión es uno de esos textos regados de palabrería con miles de lecturas, textos en los que puede ahondarse hasta completar profusamente el texto fílmico o en los que puede no repararse y quedar en la superficie, en cualquier caso, textos que invitan a la reflexión humana y a la comprensión de la infancia, como etapa de madurez, y como estado de ánimo. Nos habla de amistad, de normas, de derechos y deberes, en definitiva, de todas esas pequeñas cosas que, aún sin relación directa, un niño va asimilando.

Los actores son otra de las piezas importantes de esta película, pero, además de los encargados de encarnar a los monstruos, actores de renombre como James Gandolfini o Forest Whitaker y a la familia de Max, es el actor Max Records, el encargado de dar vida al niño protagonista, el que supone la agradabilísima gran sorpresa de esta película, con una interpretación a flor de piel y una fuerza increíble para su papel. Tan adorable, que quieres llevártelo a casa todo el rato

Y no sería justo terminar este reseña sin hablar de la magnífica banda sonora de Karen O y Carter Burwell, porque si ya como disco las canciones funcionaban bien, acompañando a la película son un auténtico tiro que dota de una fuerza tremenda a los bellísimos y oníricos planos que componen esta película, lo que además de un regalo para la vista, supone también un regalo para los oídos. Además, muy acertadamente, gran parte de dichas canciones están cantadas por niños.

Una necesaria y reconfortante vuelta a la travesura, a la incorrección y al no acatar las normas que nos permite disfrutar de dos horas de vuelta a la infancia desde un punto de vista maduro, adulto, sin algodones y que sin duda supondrá una atípica sorpresa navideña. Si queda algo de niño en vuestros interiores, desde luego no podéis perdérosla por nada del mundo.

‘Tooth Fairy’ trailer: sí, es The Rock con alas y leotardos…

2009-10-02T05:57:00.001-07:00

Tiene que ser todo un reto cuando la 20th Century Fox se te acerca y te dice ‘oye, escríbeme un guión de un tipo que es una estrella del hockey sobre hielo y que se convierte en el equivalente yanqui de ‘el ratoncito Pérez’. Eso sí, ponle alitas y trajecitos azul celeste’. Claro, si eres el guionista de ‘Robots’ (el tipo se llama de nombre Babaloo ????), el desafío no lo es tanto.

El que sale realmente escaldado es Dwayne Johnson alias La Roca que en ‘Tooth Fairy’ sigue repitiendo su papel de machote rudo con corazoncito y metido en líos con chavales que no le llegan a la cintura. El binomio The Rock-Kids es ya todo un valor seguro en taquilla, y este no va a ser menos.

El trailer del film está disponible tras un póster que daba risa y que os voy a decir: esquema básico cuasi-Disney, aunque esta vez no es el Estudio de Mickey quien produce. Para acompañar al actor están Ashley Judd (¿donde te has metido mujer?), Billy Crystal (¿y tú que haces aquí?) y Julie Andrews (tú sí que eres de la Disney).

Estreno el 22 de Enero del 2.010. Si creías que era en Navidades, yo también piqué.

Tarantino promete ‘Kill Bill Vol. 3′

2009-10-02T05:53:00.006-07:00

Crecido. Así se verá Quentin Tarantino una vez ha visto como ‘Malditos Bastardos’ se convierte en su film más taquillero de su filmografía en los USA con 115 millones, y por ende el más aceptado en todo el mundo con un acumulado ya de casi 250 millones. El director se recrea en su propio éxito y sabe que es mejor ir poniendo nuevas piedras hacia un nuevo proyecto que languidecer pensándolo. La sorpresa es que lo próximo no es nuevo.

Hace un año Tarantino prometía que llevaría ‘Bastardos’ al Festival de Cannes y casi nadie le creyó ya que era una historia que arrastraba años y años sin hacer. Ahora, en plena promoción europea deja caer otro viejo conocido, y quizás haya que tenerlo en cuenta:

¿Una precuela de ‘Basterds?’, uh no, no pasará. ¿Secuela de ‘Pulp Fiction’?, tampoco…¿Kill Bill, Volume 3′?, SI, la novia peleará otra vez.

Si seguimos con número, ambos volúmenes de ‘Kill Bill’ recaudaron 140 millones de dólares en territorio yanqui y 330 en todo el mundo, aunuqe lo importante no son las cifras sino el impacto en el público que recuerda perfectamente a Uma Thurman en un chandal amarillo estilo Bruce Lee, y cuya imágen pasará a los anales del séptimo arte. Ahora habrá que ver si realmente La Novia es la protagonista de la tercera entrega.

Desde hace años Tarantino flirtea con dos ideas: una, la de llevar la historia algo más allá en plan anime y con la misma estética que se contó la historia de O-Ren Ishii (Lucy Liu) en ‘Kill Bill Vol.1′, y otra, la más promocionada, la de la venganza de la hija de Vernita Green (Vivica A. Fox) contra La Novia y su hija. Quizás la segunda opción es la más atractiva.

Si el director no se despista en otra cosa (recordad el western o el proyecto de un film de artes marciales en mandarín de los que siempre habla), ‘Kill Bill Vol.3′ se estrenaría el próximo verano. ¿Es posible?, si, ¿ocurrirá?, no doy ni un duro…

Trailer de Valentine’s day: pastel con Julia Roberts

2009-10-02T05:53:00.005-07:00

Muchos años después de que Garry Marshall, Julia Roberts y Richard Gere nos sacudieran con aquella apología del almíbar que era Pretty Woman, una historia de ciencia ficción que relataba el amor de un alto ejecutivo y una puta y que encandiló (y sigue encandilando) en todo el mundo a un público que probablemente no dudaría en censurar esa misma historia si aconteciera en el plano real a cualquier político o a uno de sus familiares o amigos, la Roberts participa en una nueva orgía de azúcar junto a Marshall en esta amorosa película coral cuya fecha de estreno no es difícil de prever dado su título, Valentine’s day.

La película cuenta en su reparto con Hector Elizondo, Anne Hathaway, Jessica Alba, Jessica Biel, Jennifer Garner, Shirley MacLaine, Bradley Cooper, Ashton Kutcher, Patrick Dempsey, Eric Dane, Carter Jenkins, Jamie Foxx, Taylor Swift y Queen Latifah, entre otros rostros conocidos de la televisión americana.

Producto de laboratorio diseñado para almas sensibles (o meapilas, según se mire), promete edulcorar como nunca y, posiblemente, aburrir como siempre.

CASI UN CORTO PARA EL NUEVO ANUNCIO DEL SEAT ALTEA XL

2009-10-02T05:53:00.003-07:00

Muchas veces en publicidad se hacen verdaderas obras de arte, por poner un ejemplo, la mayoría de los anuncios de Coca-Cola pero, ahora, os voy a hablar de la nueva campaña de marketing que tiene preparada la marca de coches Seat con su nuevo modelo Seat Altea XL.

Para la promoción de este vehículo se ha preparado un video (ver arriba) sobre la vida de un matrimonio con dos hijos que adoptan una extraña criatura que cuando más amor recibe más crece. Así, llega un momento que en el viejo coche de la familia ya no cabe por lo que, finalmente, deciden cambiar de vehículo comprándose - sí, lo adivináis - un Seat Altea XL.

El problema de este anuncio será ver cómo queda después de recortado para su emisión en televisión porque un anuncio de dos minutos y medio vale mucho dinero en la TV.

El Seat Altea XL está claro que está pensado para las familias numerosas y podrás encontrarlo en gasolina y diésel desde un precio de 15.100€. Además, tendrás tres diferentes modelos a elegir para seleccionar el que más se adapte a tus gustos entre el modelo Reference, Style y Sport.

El Seat Altea XL también incluye 6 airbags de serie, ESP, EBA, TCS, ABS, DSR, control de la presión de los neumáticos, ISOFIX en los asientos traseros, Climatic, un ordenador de a bordo autónomo, llantas de acero de 15” o llantas Elio de 16” en la motorización 1.4 TSI 125 KW y una nueva radio CD/MP3 con 6 altavoces y Aux-in.

Post patrocinado.

LA PELÍCULA EL SECRETO DE SUS OJOS DEBUTA CON 712.000€ DE RECAUDACIÓN

2009-10-02T05:53:00.001-07:00

sí hay noticias muy positivas para el cine español porque el estreno de la coproducción argentina y española El secreto de tus ojos debuta en tercera posición con una recaudación de 712.000€. Su distribuidora, Alta Films, se la jugaba con un estreno masivo con 210 copias y le ha salido bien a pesar de que se ha gastado muy poco en hacerle una buena campaña de marketing. Gracias al Festival de San Sebastián, donde era la gran favorita, ha recibido una publicidad extra gratuita muy grande que le ha permitido ser reconocida por el gran público.

Ahora sólo falta ver cómo responde en las próximas semanas pero, casi seguro, que estaríamos hablando de una taquilla superior a los 3 millones de euros al final de su carrera comercial en cines.

Por otro lado, la película Gordos de Daniel Sánchez Arévalo se mantiene en el Top Ten, en su tercera semana en los cines, aunque sea en última posición y recauda 230.000€ para un acumulado de 1,3 millones de euros. Tedrá difícil llegar a los dos millones de euros pero no es algo imposible.

Quien también tendrá difícil llegar a los 2 millones de recaudación será Mapa de los sonidos de Tokio que recauda 72.000€ más y suma 1.874.000€.

Por último, hablemos de los fiascos de las películas españolas Flores negras y Pájaros muertos. La primera pierde un 84% de recaudación respecto a la semana anterior y sólo suma 10.000€ a un total de 101.000€ en dos semanas; mientras que Pájaros muertos es la típica película española que nunca debió hacerse porque lleva recaudados, atención, 7.120€ en dos semanas. Y este fin de semana ha recaudado la friolera de 288€, un 94% menos que en su primer fin de semana en cines. ¡De risa!

Este viernes también subirá la cuota del cine español porque se estrena una de las películas nacionales más esperadas del año, REC2. Espero que su recaudación, en su primer fin de semana, esté por encima del millón de euros.

LAS PELÍCULAS ESPAÑOLAS QUE PODREMOS VER ESTE MES DE OCTUBRE EN CINES

2009-10-02T05:52:00.003-07:00

Este mes de Octubre viene cargadito de estrenos españoles y con dos de las bombas, en cuanto a taquilla se refiere, del cine español de este año: REC2 y Ágora que, a mí entender, deberían haberse estrenado más alejadas en el tiempo una de la otra y no con sólo una semana de antelación. Además, que se estrenen 15 películas y dos documentales españoles en un mismo mes me parece una auténtica locura y un no querer hacer las cosas bien porque las mayorías de estas películas ya tienen recuperada su inversión vía subvenciones como Máscares, Petit Indy o A la deriva.

. Estrenos españoles del 2 de Octubre:

- REC2: una de las apuestas seguras del cine español de cara a la taquilla. Aunque sus directores, Jaume Balagueró y Paco Plaza, han dicho que no habrá tercera parte creo que, si vuelven a arrasar en taquilla, podríamos tener la primera saga de terror española de todos los tiempos.

- Felicidad Perfecta: la Ópera Prima de Jabi Elortegi nos cuenta la historia de una mujer que no puede olvidar una parte trágica de su pasado (ver un atentado de ETA). Por otra parte, destaca la popular presentadora Anne Igartiburu en su primer papel como protagonista.

- Los límites del control: la revista Fotogramas la ha valorado con cinco estrellas pero parece ser que es una película “complicada” y no será del gusto del gran público. Se trata de una coproducción entre Japón, USA y España dirigida por Jim Jarmush (Flores rotas) que se ha rodado en España, concretamente, Madrid y Sevilla.

- Máscares: esta película ensayo documental de Elisabet Cabeza y Esteve Riambau intenta mostrar el proceso creativo de trabajo de un actor para meterse en la piel de su personaje. Así, veremos al actor Josep María Pou preparar su personaje basado en Orson Welles para una obra de teatro.

- La máquina de pintar nubes: Ópera Prima de los guionistas y actores Patxo Tellería y Aitor Mazo que nos contarán una historia de un chico, en la Barcelona de 1974, que quiere ser artista.

- Documental Mónica del Raval: documental sobre una prostituta, originaria de La Mancha, que llegó hace 20 años a Barcelona y, desde entonces, trabaja como prostituta libremente en el barrio del Raval.

. Estrenos del fin de semana del 9 de Octubre:

- Ágora: la nueva película de Alejandro Amenábar ha contado con el presupuesto más caro de toda la historia para una producción de cine español con un total de 50 millones de euros. El público la espera impaciente pero las críticas no han sido muy positivas, ¿será el primer fracaso de Amenábar?

. Estrenos del fin de semana del 16 de Octubre:

- Yo, también: la Ópera Prima de Álvaro Pastor y Antonio Naharro ha sido una de las grandes triunfadoras del recientemente clausurado Festival de San Sebastián al llevarse sus actores las conchas al mejor actor para Pablo Pineda y a la mejor actriz para Lola Dueñas. Una historia de amor con muchos muros por destruir.

- Íntimos y extraños. 3 historias y 1/2. La verdad no creo que esta película cuaje en la taquilla. Más que nada porque no su distribuidora no invertirá en publicidad. A destacar, la vuelta de Coque Malla al cine con esta película y que también aparece la televisiva Michelle Jenner.

- Documental Hollywood contra Franco. El director catalán Oriol Porta nos presenta tras ochos de duro trabajo de investigación el impacto de la guerra en las películas de Hollywood con el nexo de unión del guionista Alvah Bessie, miembro de las Brigadas Internacionales.

. Estrenos del 23 de Octubre:

- After: el segundo trabajo del director Alberto Rodríguez (7 vírgenes) se está vendiendo como un Mentiras y gordas con cuarentones pero no tiene nada que ver. Se trata de una película completamente diferente y con un gran guión, o eso espero. Será una de los estrenos españoles que no me perderé.

- A la deriva: la nueva película del director catalán Ventura Pons basada en la novela ‘Àrea de Servei’ de Lluís-Antón Baluenas. A destacar, el primer papel en cine para el popular showman, presentador, escritor, etc, Boris Izaguirre.

- Bullying: Todavía está demasiado reciente la película “Cobardes” de José Corbacho y Juan Cruz para que se estrene otra película española sobre el mismo tema. La película ha sido dirigida por Josecho San Mateo (Atasco en la nacional) y parece que ha sido más atrevido y realista que sus compañeros directores mencionados anteriormente.

- Shevernatze. Una epopeya marcha atrás. Se trata de la Ópera Prima de Pablo Palazón al cual le ha costado mucho dinero y tiempo hacer su primera película y más conseguir distribuidor. Visto el trailer, siento mucho decir que, parece que estamos ante una floja película que se estrenará con pocas copias.

. Estrenos españoles del fin de semana del 30 de Octubre:

- Castillos de Cartón: basada en la novela de Almudena Grandes, el director Salvador García Ruiz nos presenta un trío amoroso, y parece ser bastante erótico, de tres jóvenes estudiantes de Bellas Artes en la década de los 80´.

- Nacidas para sufrir: la nueva película del director Miguel Albaladejo nos presenta una comedia con Adriana Ozores como actriz más conocida.

- Petit Indy: nuevo trabajo del director catalán March Rechá, en coproducción con Francia, que nos contará la historia de un adolescente que intenta escapar de la dura realidad de su vida a través de su imaginación.

A mí nadie me quita ver en cines, a no ser que sea mi novia, REC 2, Ágora, After y Castillos de Cartón. ¿Cuál será vuestro plan?

Michael Douglas vuelve a Wall Street

2009-10-02T05:52:00.001-07:00

Michael Douglas volverá a encarnar el papel que le valió el Oscar. En el año 1987 el actor que venía del gran éxito de Atracción Fatal interpretó al despiadado inversor corporativo Gordon Gekko, en el film “Wall Street” de Oliver Stone. Su frase “La codicia es buena” marcó a toda una generación de futuros inversores y hombres de negocio.

Ahora, el actor ha vuelto a invertir en el film. Volverá a interpretar a Gekko en la segunda parte del film que será lanzada por el estudio Twentieth Century Fox.

En el film original, Gekko es un poderoso inversor que educa a un joven pupilo (Charly Sheen) para obtener dinero de manera ilegal. Ahora parece que hará algo similar con Shia LaBeouf (Transformers), quien intentará forjarse una carrera en la finanzas en la era de los fondos de inversión especulativos (’hedge funds’).

Oliver Stone estará nuevamente en la dirección y el guión estará a cargo de Allan Loeb.

La película de Michael Jackson

2009-10-02T05:51:00.000-07:00

La película MICHAEL JACKSON’S THIS IS IT ofrecerá a los fans de Jackson y a los amantes de la música del mundo una excepcional mirada ‘detrás de escena’ del intérprete, mientras él desarrollaba, creaba y ensayaba sus conciertos con entradas agotadas que hubieran sucedido en el verano europeo en el O2 Arena de Londres. Haciendo una crónica de los meses de Abril a Junio de 2009, el film está producido con el apoyo total del Estate de Michael Jackson y con más de cien horas de filmación detrás de escena, presentando a Jackson ensayando una cantidad de sus canciones para el show. El público tendrá la oportunidad de descubrir al hombre que nunca conocieron a través de esta mirada privilegiada y privada sobre Jackson. En crudos y francos detalles, MICHAEL JACKSON’S THIS IS IT captura al cantante, bailarín, cineasta, arquitecto, genio creativo y gran artista trabajando mientras crea y perfecciona su show final.

Fuente: Sony Music